Cinéma américain

Le cinéma américain, c'est-à-dire le cinéma réalisé aux États-Unis, est celui qui a globalement le plus profondément façonné le cinéma au cours de son premier siècle d'existence, tant au niveau des contenus et des techniques qu'au niveau économique et culturel. Son cœur est à Hollywood, un quartier de Los Angeles, où est produite la majeure partie des programmes audiovisuels américains, télévisuels compris.

La critique américaine Pauline Kael résuma en 1968 le style des films hollywoodiens par la formule devenue célèbre : « Kiss Kiss Bang Bang ». Pour lapidaire et brève que soit la formule, elle traduit l'importance de l'action qui caractérise cette production, laissant dans l'ombre l'importance des aspects techniques, la qualité des techniciens, la maîtrise technologique, qui ont fait et font ce cinéma : le scénario, la mise en scène, les images, le montage, la musique, le son et les effets spéciaux.

Mais le cinéma américain est également une industrie puissante et très structurée, dans laquelle le financement et le marketing sont toujours aux premiers rangs des critères de décision. Il s'inscrit également au sein du secteur du divertissement audiovisuel devenu le premier poste des revenus de l'économie des États-Unis à l'étranger. Les films produits aux États-Unis sont par exemple en Europe ceux qui réalisent la majorité des entrées en salle (62,5 % des entrées en 2001). Le cinéma hollywoodien est considéré comme le premier vecteur de diffusion de la culture américaine à l'étranger (conjointement avec les séries télévisées).

Histoire

De l'invention du cinéma aux premiers films parlants (1893-1930)

Une salle de cinéma à New York (1917)

L'affiche du film Naissance d'une nation (1915)

Au début du XX^e siècle, tandis que l'industrie cinématographique n'en est pas encore une, la plupart de ceux qui se lancent dans le cinéma sont des immigrants, et plus particulièrement des immigrants juifs, venant de Russie, d'Allemagne ou d'Autriche-Hongrie. Ils débarquent à New York avec une volonté qui les distingue de leurs contemporains européens : pour ces immigrés aux États Unis, le cinéma est plus qu'un simple divertissement, c'est une nouvelle forme d'art. Les producteurs qui vont apparaître, comme William Fox (fondateur en 1915 de la Fox Film Corporation, qui deviendra la Twentieth Century Fox), Samuel Goldfish (qui changera son nom en Samuel Goldwyn, fondateur en 1916 de la Goldwyn Picture Corporation, qui deviendra la MGM), les frères Warner (fondateurs en 1923 de Warner Bros Studios), ont dès le début des ambitions artistiques. Ils se mettent donc en contact avec des écrivains renommés pour écrire les scénario de leurs films, ou achètent les droits des pièces de théâtre de Broadway^[1]. Ils se disent avec raison qu'un film fondé sur un livre ayant déjà eu du succès a plus de chances de faire de bonnes recettes.

Dans les années 1900, les premiers producteurs indépendants de la côte Est tournent des petites bandes de 7-10 min dans la campagne du New Jersey autour de New York et l'hiver en Floride autour de Jacksonville qui devient la première ville du cinéma à la fin des années 1900 (Sidney Olcott inaugure cet héliotropisme en 1908)^[2]. Ils ont recours à l'autofinancement pour leurs courts-métrages^[1]. Ce dont on peut s'apercevoir dès les débuts du cinéma aux États-Unis, c'est que les producteurs ont un rôle qui va au-delà de l'aspect purement financier : ils participent à la création des films au même titre que les réalisateurs et les scénaristes.

Au cours des années 1910, Hollywood devient le principal centre de production de la nouvelle industrie cinématographique : une légende veut que les producteurs pour échapper au Trust Edison^[2]. En réalité, une partie des producteurs est attirée par la Californie, sa luminosité et son climat ensoleillé (350 jours de soleil par an, comme l'alléguait l'office de tourisme de Los Angeles), la diversité de ses décors naturels (montagne, mer, forêt, désert), ses terrains à bas prix, l'absence de syndicats (qui apparaîtront dans les années 1930), une main d'œuvre cosmopolite (indiens, asiatiques, hispaniques pour des rôles de figurants)^[1]. Les lieux de tournage ressemblent plus à des campements qu'à de véritables studios^[1]. W. Griffith installe sa compagnie La Biograph dès 1910 dans le quartier d'Hollywood à Los Angeles^[1]. Il y réalise Naissance d'une nation en 1915, film qui rapporte 10 millions de dollars^[1]. En 1912, Mack Sennett y fonde sur un terrain vague le studio Keystone qui devient le principal foyer du cinéma burlesque. Progressivement se forme une ville champignon. C'est au milieu des années 1910 que naissent les premières grandes stars du cinéma américain : Douglas Fairbanks, Florence Lawrence, Florence Turner (en), Mary Pickford et Charlie Chaplin, les acteurs étant jusque là anonymes (la légende du cinéma raconte souvent qu'Hollywood a inventé les stars mais la firme Pathé en crée une dès 1910 avec Max Linder^[2]). Ces stars s'associent en 1919 avec David Griffith et William S. Hart pour former la United Artists, destinée à l'exploitation de leurs films. Dès 1917, avec le développement des budgets (décors, figurants, costumes) et des stars pour fidéliser le public, les studios ont recours au financement extérieur des particuliers et des banques dont le prêt est gagé sur les actifs que sont devenus les stars, les scénarios et les réalisateurs^[1]. Ils achètent des salles de cinéma, des stalles de première exploitation comme des nickel odéons, dans les grandes villes du pays.

Les années 20 sont marquées par les productions de Cecil B. DeMille et avec elles des super-productions (Le Voleur de Bagdad, Ben Hur), les majors acceptant de faire de temps en temps un film de prestige pour participer à l'éducation des masses^[2]. Mais c'est surtout le succès international des premiers grands Westerns épiques (La Caravane vers l'Ouest, 1923, Le Cheval de fer de John Ford, 1924) qui édifie le mythique originel de l'Amérique et de ses pionniers.

En 1927, les grandes compagnies fondent l'Académie des arts et des sciences du cinéma. Bien qu'au départ, il s'agissait de contrer le projet d'unification des studios^[3], le rôle le plus connu de cette académie est de décerner les Oscars, une récompense annuelle prestigieuse dont le retentissement est autant artistique que commercial. Avec le déclin du cinéma muet, 1927 est également l'année de l'avènement du cinéma parlant (Le chanteur de jazz). Si cette innovation a une répercussion mondiale donnant au cinéma une nouvelle dimension, aux États-Unis, elle marque également la fin de l'âge d'or des comédies burlesques et de leurs gags visuels (Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, Stan Laurel et Oliver Hardy, Harry Langdon, Roscoe "Fatty" Arbuckle...).

Jackie Coogan au côté de Charlie Chaplin dans Le Kid (1921)

• Le Vol du rapide, 1903
• In Old California, 1910
• Naissance d'une nation, 1915
• Intolérance, 1916
• L'Émigrant, 1917
• Une vie de chien, 1918
• N'oublions jamais, 1918
• Le Cheik (avec Rudolph Valentino), 1921
• Les deux orphelines, 1921
• Le Kid, 1921
• L'Opinion publique, 1923
• Le Voleur de Bagdad, 1924
• Ben-Hur, 1925
• La Ruée vers l'or, 1925
• Le Chanteur de Jazz, 1927
• Le Mécano de la « General », 1927

De l'âge d'or hollywoodien des années 1930 aux difficultés de l'après-guerre

Rita Hayworth, une des grandes actrices du cinéma américain des années 1940

Ingrid Bergman et Gary Cooper dans « Pour qui sonne le glas »

Grâce à l'arrivée du cinéma parlant, l'industrie cinématographique subit sans encombre le début de la Grande Dépression. Mais, dès 1931, la fréquentation des salles baisse. La crise provoque un chômage massif parmi les artistes et les acteurs des années 1930, entraînant des grèves et la création de syndicats d'acteurs et de scénaristes, la Screen Actors Guild et la Writers Guild of America. Le New Deal mis en place par le président Franklin D. Roosevelt comporte un volet culturel visant à aider les artistes en difficulté. Toutefois, même pendant sa faillite financière, Paramount ne diminue pas le nombre de ses productions^[3]. À la suite du Code de production de 1930 et des opérations de restructurations et de fusions qui marquent les années 1929-1931, cinq grandes compagnies (les majors) dominent le nouveau marché de la série A (Fox, Paramount, Metro-Goldwyn Mayer, R.K.O. et Warner Bros), tandis que les minors Columbia et Universal se spécialisent dans la série B^[3],[4]. Pendant les années 1930, du fait de la baisse durable de la fréquentation des salles (notamment avec la hausse du prix d'entrée, ces salles devant s'équiper pour le sonore) et de la hausse du coût de production d'un film (tournage en extérieur plus compliqué à cause des bruits, développement de studios nécessitant des moyens plus lourds, multiplication des prises)^[1], les bénéfices chutent, provoquant une situation financière catastrophique des compagnies de production^[3]. La RKO fait faillite et se trouve rachetée en 1931^[4]. Malgré cette situation, Hollywood produit plus de 5 000 films, les majors imposant le système du block booking^[5]. Les grands financiers prêtent les fonds nécessaires et se renforcent dans les conseils d'administration des compagnies de cinéma hollywoodien^[4]. Les années de guerre profitent au contraire du boom économique du pays et de la standardisation de la production. Jusqu'en 1946, l'industrie cinématographie connaît une forte prospérité économique^[3].

Les films des années 1930 s'intéressent aux problèmes sociaux et au sort des plus démunis^[6] : Les Raisins de la colère et Qu'elle était verte ma vallée qui retrace la vie des mineurs du Pays de Galles, de John Ford. Certains films de Charlie Chaplin dénoncent la montée du fascisme (Le Dictateur en 1940) et les conditions de travail des ouvriers (Les Temps modernes en 1936). Les comédies de Frank Capra, bien que légères, critiquent les excès du capitalisme sauvage^[7] : L'Extravagant Mr. Deeds (1936), Vous ne l'emporterez pas avec vous (1938), Mr. Smith au Sénat (1939). Toutefois, à côté des films ambitieux que l'histoire a retenu, Hollywood produit une foule de films comiques (les Marx Brothers), comédies musicales aux mises en scène brillantes interprétées par des artistes prestigieux (Fred Astaire et Ginger Rogers), mélodrames, westerns de série B, films d'horreur et films de gangsters (Scarface, 1932, Les anges aux figures sales, 1938). Le glamour et son mythique « baiser hollywoodien » se porte également à merveille avec des stars comme Marlène Dietrich, Jean Harlow, Rita Hayworth ou la provocante Mae West qui scandalise les ligues de vertu et parvient à contourner la censure du code Hays.

À la fin des années 1930 et pendant la guerre, le Technicolor donne ses premières couleurs au cinéma américain (Le Magicien d'Oz, Autant en emporte le vent, 1939), alors que le film noir, inspiré des romans de Hammett ou Chandler connaît un fort développement (Le Faucon maltais, 1941) et succède au film de gangsters des années trente. Lié à l'effort de guerre, Hollywood travaille avec l'Office d'information de la guerre (OWI), produisant des films de propagande (Dive Bomber, 1941) et des films d'espionnage^[8]. Si Casablanca joue un rôle allant dans le sens de l'engagement du pays dans la guerre^[8], Orson Welles n'en révolutionne pas moins le 7e art avec Citizen Kane.

Après la guerre, le cinéma est soupçonné d'activités antiaméricaines par une Commission parlementaire (1947). La chasse aux sorcières qui s'ensuit détruit la carrière de nombreux artistes (Liste noire de Hollywood). À la même époque, le système de production et de distribution est démantelé par le ministère de la justice appuyé par la Cour suprême, en application de la loi antitrust (1948)^[9]. Les compagnies doivent désormais séparer leurs activités de production et de propriétaires de salles de cinéma. De plus, le développement des agents comme Lew Wasserman (en) casse le système qui liait les stars aux studios dont certains acceptent de donner une partie de leur profit à leurs vedettes^[2]. Les revenus chutent dès 1947, tandis que les coûts de production ne cessent d'augmenter, provoquant une diminution durable des recettes et donc du nombre des productions.

• Frankenstein, 1931
• Les Lumières de la ville, 1931
• King Kong, 1933
• La Soupe au canard, 1933
• New York-Miami, 1934
• Les Révoltés du Bounty, 1935
• Le Jardin d'Allah, 1936
• La Fille du bois maudit, 1936
• Autant en emporte le vent, 1939
• Le Magicien d'Oz, 1939
• Les Hauts de Hurlevent, 1939
• The Philadelphia Story, 1940
• Les Raisins de la colère, 1940
• Le Dictateur, 1940
• Le Faucon maltais, 1941
• Fantasia, 1940
• Citizen Kane, 1941
• Casablanca, 1942
• La Glorieuse Parade, 1942
• Pour qui sonne le glas, 1943
• Assurance sur la mort, 1944
• Les Plus Belles Années de notre vie, 1946
• La vie est belle, 1946
• Nuit et Jour, 1946
• Les Enchaînés, 1946
• Le Trésor de la Sierra Madre, 1948

Années 1950 : les studios prennent l'air

Le cinéma américain des années 1950 est caractérisé par le triomphe des grandes productions hollywoodiennes. L'arrivée du CinémaScope favorise le succès des productions coûteuses, des films aux couleurs somptueuses, aux mises en scènes spectaculaires, projetés sur de grands écrans panoramiques^[10]. Toutefois, sur le plan financier, cette stratégie des gros studios s'avère peu rentable en raison du coût élevé des investissements, de la maintenance et du personnel, d'où une diminution du nombre des films produits, malgré le maintien des petites compagnies indépendantes. L'exportation et la diffusion du cinéma américain à l'international, soutenu par le département d'État et la Motion Picture Export Association, apporte une solution à ces difficultés et permet d'exporter à l'étranger le rêve américain et le modèle de l'« American way of life » s'opposant à la propagation de l'idéologie communiste. Si le grand spectacle, le western, le péplum et la comédie musicale triomphent, le film noir vit son crépuscule et la science-fiction met en scène des invasions extra-terrestres qui semblent refléter les angoisses liées à la guerre froide et au phantasme de l'apocalypse nucléaire (Le jour où la terre s'arrêta, 1951, La Guerre des mondes, 1953). La montée en puissance de l'Actors Studio dont Marlon Brando demeure la figure emblématique entraîne le renouvellement du jeu des acteurs qui composent des personnages tourmentés à la forte charge physique et émotionnelle (James Dean). Cela n'empêche pas le maintien des clichés du glamour hollywoodien et de la femme objet (Marylin Monroe, Jayne Mansfield). Le développement de la télévision et la migration des cadres vers la banlieue entraîne le déclin des salles de centre-ville^[2].Un dernier phénomène, typique de cette période est le développement rapide du drive-in ou cinéma en plein air. S'adressant à un public jeune, il suit les centres d'intérêt des adolescents (films sur le rock and roll, « teenpics », films d'horreur à petit budget, films de série B) et préfigure les temps à venir.

• Ève, 1950
• Boulevard du crépuscule, 1950
• The African Queen, 1951
• Un Américain à Paris, 1951
• Sueurs froides, 1958
• Un tramway nommé Désir, 1951
• Une place au soleil, 1951
• Chantons sous la pluie, 1952
• Le train sifflera trois fois, 1952
• Tant qu'il y aura des hommes, 1953
• L'Homme des vallées perdues, 1953
• Fenêtre sur cour, 1954
• Sur les quais, 1954
• La Fureur de vivre, 1955
• Le Pont de la rivière Kwai, 1957
• La Mort aux trousses, 1959
• Certains l'aiment chaud, 1959
• Ben Hur, 1959

Années 1960-1970

Articles détaillés : Nouvel Hollywood, Cinéma américain des années 1960 et Cinéma américain des années 1970.

Durant les années 60, le cinéma américain n'a pas connu un énorme succès. Cependant, cette période a été marquée par la présentation sur grand écran de films d’épouvante, tels Psychose. Et pour ce type de films, l’arrivée de la couleur marqua un vrai départ.

Les années 60 et 70 marquent aussi le début d'une réaction particulière du cinéma américain, face aux politiques intérieurs et internationaux. La production s’en est d’ailleurs trouvée transformée, bouleversée par les contestataires du début des années 60. Elle devait réagir sur la fin de la décennie, sous l’ampleur du mouvement, en réalisant des films tels que Easy Rider ou Macadam Cow Boy, très référentiels, dans leur forme à la Nouvelle Vague française^[10], mais traitant de la société américaine contemporaine. Ces films à petit budget lancent des acteurs jusque là inconnus comme Robert DeNiro, Al Pacino ou Jack Nicholson^[10]. Ils mettent en scène de nouveaux thèmes comme la violence, le sexe et la politique^[10]. Plusieurs longs métrages contestent l'engagement américain dans la Guerre du Vietnam.

En 1977 que George Lucas élabore son projet de Guerre des étoiles. Les années 1970 voient également l'ascension de Steven Spielberg : c'est le début des superproductions avec effets spéciaux qui réalisent d'énormes recettes notamment grâce aux produits dérivés et à la publicité^[10].

De la fin des seventies aux années 1990 : « l'ère Spielberg »

Articles détaillés : Cinéma américain des années 1980 et Cinéma américain des années 1990.

Quelques vedettes masculine des films hollywoodiens dans les années 1980-1990 (de gauche à droite et de haut en bas) : Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Bruce Willis, Steven Segal / Dolph Lundgren, Jean-Claude Van Damme, Wesley Snipes, Jackie Chan.

Pendant les années 1970-1980, l'augmentation du nombre des films de science-fiction et de super-héros accompagne la diminution du nombre des westerns : 2001 : l'odyssée de l'espace de Stanley Kubrick (1968), Star Wars de George Lucas (1977), Rencontre du troisième type (1977) et E.T. l'extra-terrestre (1982) de Steven Spielberg, Superman (1978), Flash Gordon (1980), Alien - Le huitième passager (1979) et Blade Runner (1982) de Ridley Scott, , Gremlins de Joe Dante, Terminator (1984), Retour vers le futur (1985) de Robert Zemeckis.

Nombre de ces films à gros budget ont des suites, des produits dérivés et sont l'objet d'un marketing intensif^[10]. S'ils sont en partie modernes, de par leurs sujets (rencontre avec l'autre, apparition extraterrestre, intelligence artificielle) et leurs effets spéciaux, il s'agit essentiellement de super-productions hollywoodiennes dont le traitement de l'histoire est classique, le récit linéaire (se terminant par un happy end)^[11] et un montage transparent (il n'y pas de faux raccord, de regard caméra ou bien de cadrage serré volontaire). Les producteurs visent d'avantage une catégorie ciblée de la société que le grand public dans son ensemble^[10]. On appelle parfois cette période l'ère Spielberg, à cause du caractère emblématique de ses films.

Avec Tron (1982), Predator (1987) et plus encore Terminator 2 (1991), la science-fiction bénéficie de plus en plus des progrès du traitement informatique de l'image (numérisation, morphing) qui devient la norme de blockbusters comme Jurassic Park (1993), Independence Day (1996) ou Godzilla (1998). Le XX^e siècle s'achève avec Matrix (1999), un film de science-fiction bientôt culte inaugurant une nouvelle génération d'effets spéciaux numériques permettant de reculer les limites de ce qu'il est possible de représenter et appelés à se généraliser dans les années 2000.

La Guerre du Viêt Nam est également un sujet de réflexion privilégié par le cinéma américain de cette époque : Voyage au bout de l'enfer de Michael Cimino (1978), Apocalypse now de Coppola (1979), Rambo (1982), Platoon d'Oliver Stone (1986), Full Metal Jacket de Kubrick (1987). D'autres films évoquant divers épisodes de la Seconde guerre mondiale marquent la décennie suivante : La liste de Schindler (1993) et Il faut sauver le soldat Ryan (1998) de Spielberg, La Ligne rouge (1998) de Terrence Malick.

Un autre fait notoire des années 80 et qui se prolonge dans les années 90 est la vogue du cinéma d'action, dont les héros, justiciés expéditifs, franc-tireurs virils, body-buildés ou bagarreurs vindicatifs préfigurés par Charles Bronson et Clint Eastwood sont incarnés par toute une génération d'acteurs (Schwarzenegger, Stallone, Chuck Norris, Jackie Chan, Steven Seagal, Bruce Willis et autres Van Damme...) et dénote l'influence croissante du cinéma hongkongais dont les réalisateurs viennent parfois tenter leur chance à Hollywood (John Woo, Tsui Hark..).

Le thriller, inspiré par la fascination que les psychopathes et les tueurs en série exercent sur le public, connaît de brillantes réussites : Liaison fatale (1987), Le Silence des agneaux (1991), Basic Instinct (1992), Seven (1995)...

Titanic (1997) de James Cameron résume bien la tendance des années 90 : goût de la performance, énormes moyens financiers et techniques, numérisation des images, record d'audience, bande musicale à succès. Si les valeurs sûres sont toujours très présentes (Spielberg, Georges Lucas, Coppola, Scorcese, Eastwood...), une nouvelle génération s'affirme avec force et joue des codes et genres cinématographiques avec une grande virtuosité : Sexe, Mensonges et Vidéo (1989) de Steven Soderbergh, Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino, Batman (1989) ou Mars Attacks ! (1996) de Tim Burton...

Les années 2000

Liste des 100 meilleurs films de l'histoire du cinéma américain (20^e siècle)

Article détaillé : Top 100 de l'American Film Institute.

Liste de l'American Film Institute (AFI)

01. Citizen Kane, 1941 02. Casablanca, 1943 03. Le Parrain, 1972 04. Autant en emporte le vent, 1939 05. Lawrence d Arabie, 1962 06. Le Magicien d'Oz, 1939 07. Le Lauréat, 1967 08. Sur les quais, 1954 09. La Liste de Schindler, 1993 10. Chantons sous la pluie, 1952 11. La vie est belle, 1946 12. Boulevard du Crépuscule, 1950 13. Le Pont de la rivière Kwai, 1957 14. Certains l'aiment chaud, 1959 15. La Guerre des étoiles, 1977 16. Ève, 1950 17. The African Queen, 1951 18. Psychose, 1960 19. Chinatown, 1974 20. Vol au-dessus d'un nid de coucou, 1975 21. Les Raisins de la colère, 1940 22. 2001: l'odyssée de l'espace, 1968 23. Le Faucon maltais, 1941 24. Raging Bull, 1980 25. ET. l’Extraterrestre 1982 26. Docteur Folamour, 1964 27. Bonnie and Clyde, 1967 28. Apocalypse Now, 1979 29. Monsieur Smith au Sénat, 1939 30. Le Trésor de la Sierra Madre, 1948 31. Annie Hall, 1977 32. Le Parrain II, 1974 33. Le train sifflera trois fois, 1952 34. Du silence et des ombres, 1962 35. New York-Miami, 1934 36. Macadam Cow-boy, 1969 37. Les Plus Belles Années de notre vie, 1946 38. Assurance sur la mort, 1944 39. Docteur Jivago, 1965 40. La Mort aux trousses, 1959 41. West Side Story, 1961 42. Fenêtre sur cour, 1954 43. King Kong, 1933 44. Naissance d'une nation, 1915 45. Un tramway nommé Désir, 1951 46. Orange mécanique, 1971 47. Taxi Driver, 1976 48. Les Dents de la mer, 1975 49. Blanche-Neige et les sept nains, 1937 50. Butch Cassidy et le Kid, 1969

51. The Philadelphia Story, 1940 52. Tant qu'il y aura des hommes, 1953 53. Amadeus, 1984 54. A l'ouest rien de nouveau, 1930 55. La Mélodie du bonheur, 1965 56. MASH, 1970 57. Le Troisième Homme, 1949 58. Fantasia, 1940 59. La Fureur de vivre, 1955 60. Les Aventuriers de l’Arche perdue, 1981 61. Sueurs froides, 1958 62. Tootsie, 1982 63. La Chevauchée fantastique, 1939 64. Rencontres du 3e type, 1977 65. Le Silence des agneaux, 1991 66. Network, 1976 67. Un mime dans la tête, 1962 68. Un Américain à Paris, 1951 69. L'Homme des vallées perdues, 1953 70. The French Connection, 1971 71. Forrest Gump, 1994 72. Ben Hur, 1959 73. Les Hauts de Hurlevent, 1939 74. La Ruée vers l'or, 1925 75. Danse avec les loups, 1990 76. Les Lumières de la ville 1931 77. American Graffiti, 1973 78. Rocky, 1976 79. Voyage au bout de l'enfer, 1978 80. La Horde sauvage, 1969 81. Les Temps modernes, 1936 82. Géant, 1956 83. Platoon, 1986 84. Fargo, 1996 85. La Soupe au canard, 1933 86. Les Révoltés du Bounty, 1935 87. Frankenstein, 1931 88. Easy Rider, 1969 89. Patton, 1970 90. Le Chanteur de jazz, 1927 91. My Fair Lady, 1964 92. Une place au soleil, 1951 93. La Garçonnière, 1960 94. Les Affranchis, 1990 95. Pulp Fiction, 1994 96. La Prisonnière du désert, 1956 97. L'impossible Monsieur Bébé, 1938 98. Impitoyable, 1992 99. Devine qui vient dîner, 1967 100. La Glorieuse Parade, 1942

 

Économie

L'industrie cinématographique américaine est particulièrement puissante et rentable. Son taux de croissance a plus de doublé en dix ans : si elle engrangeait 7,02 milliards de dollars en 1991 sur le marché international, en 2001, le chiffre passait à 14,69 milliards de dollars^[12].

La domination des majors

Trois types d'acteurs composent l'industrie cinématographique américaine: les majors, leurs filiales, et les producteurs indépendants. Les majors sont représentées par la Motion Picture Association of America (MPAA) à l'intérieur des États-Unis, et par la Motion Picture Association (MPA) à l'étranger. La MPAA représente les sept plus importantes majors, c'est-à-dire les producteurs et distributeurs du « divertissement filmé » (filmed entertainment), à savoir les films de cinéma, programmes de télévision, cassettes et DVD à la vente ou à la location, films diffusés sur Internet, etc.

Ces majors sont:

• The Walt Disney Company (anciennement Buena Vista International)
• Columbia TriStar Film Distributors International
• Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
• Paramount Pictures Corporation
• Twentieth Century Fox International Corporation
• Universal International Films
• Warner Bros. International Theatrical Distribution

Quant à leurs filiales, on peut par exemple citer Miramax, qui appartient à Disney; New Line, à la Warner ou encore Sony Classics.

Dans les années 1980, l’administration du Président Reagan permet une nouvelle phase d’intégration verticale des majors en annulant les « décrets anti-trust Paramount » de 1948^[13]. Il devient désormais possible pour les studios d’acquérir des canaux de diffusion (cinémas, chaînes de télévision…) et ils concentrent alors en leur sein toutes les phases d’exploitation des biens audiovisuels, c'est-à-dire la production, la distribution et la diffusion.

Il faut donc mettre en avant la domination incontestable des majors sur les studios indépendants. Car même si les films produits par ces derniers sont plus nombreux, leur part de marché est beaucoup plus faible au niveau intérieur et international. Ainsi, si le plus important distributeur indépendant du pays, USA Films, a sorti 15 films en 2000, il n’a pu engranger qu’1 % des recettes du box-office national.

Nouveaux films sortis aux États-Unis, 2000 – 2004^[14]

Année	Majors	Autres distributeurs	Total
2000	191	267	458
2001	188	274	462
2002	220	229	449
2003	194	265	459
2004	199	276	475

Revenus du box-office États-Unis et Canada, 1980–2000^[15]

Année	Millions $ constants	Part des majors
1980	5 745	91 %
1985	6 000	77 %
1990	6 617	80 %
1995	6 208	86 %
2000	7 661	83 %

La domination du cinéma hollywoodien dans le monde

La dimension internationale fait depuis toujours partie intégrante de l’industrie cinématographique – de quelque pays que ce soit – pour une simple logique de rentabilité qui lui est spécifique : si l’investissement initial nécessaire à la production d’un film est extrêmement élevé, les coûts de duplication sont en revanche particulièrement bas. Plus l’on distribue de copies du film, et plus l’investissement risque d’être rentable. Les marchés étrangers ont donc toujours fait partie de la stratégie des firmes hollywoodiennes, et ce depuis le tout début de leurs activités il y a un siècle. Dès 1919, les recettes générées par les marchés internationaux étaient inclus dans les budgets d’Hollywood^[16].

Mais c’est depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale que le flux d’exportation des biens cinématographiques a véritablement décollé^[17], si bien que la présence d’Hollywood est aujourd’hui virtuellement ressentie dans tous les pays du monde. En ce sens, et dans le contexte actuel d’économie globalisée, l’export des films à l’étranger est plus que jamais un élément incontournable de compétitivité mondiale, représentant depuis une trentaine d’année entre 40 % et la moitié des revenus des grands studios^[18].

L’industrie cinématographique est l’un des rares secteurs aux États-Unis à avoir un équilibre commercial positif, c'est-à-dire à exporter plus de produits qu’elle n’en importe, et ce dans tous les pays où elle est présente. En 2001, Hollywood détenait 80 % des parts de marché du film au niveau international, et 70 % pour les programmes télévisés^[19].

Le cinéma indien, avec Bollywood, est une des seules industries du cinéma au monde qui puisse encore tenir tête à Hollywood dans son propre pays avec plus de 800 films produits par an, avec le cinéma français, très puissant également et avec un nombre de films produit également très important, le plus élevé d'Europe. La difficulté pour Hollywood et pour l'ensemble des films occidentaux se situe au niveau culturel mais aussi par l'émergence de cette industrie dans le continent sud-asiatique qui dépasse aujourd'hui largement ses frontières notamment par la forte popularité en France, en Grande-Bretagne et les villes américaines.

Cette domination mondiale se retrouve aussi dans les films pornographiques, au nombre d'environ 12 000 tournés annuellement en Californie, dans la vallée de San Fernando^[20].

Structure de certains marchés cinématographiques nationaux, 2000^[21]

Pays	Nombre de films produits	Part de l'industrie cinématographique nationale	Part de l'industrie cinématographique américaine
Allemagne	75	9,4 %	81,9 %
Australie	31	8,0 %	87,5 %
Espagne	98	10,1 %	87,7 %
États-Unis	460	96,1 %	-
France	204	28,9 %	58,3 %
Italie	103	17,5 %	69,5 %
Japon	282	31,8 %	64,8 %
Royaume-Uni	90	19,6 %	75,3 %

Le cinéma américain, une approche plus commerciale que culturelle?

Aux États-Unis, il semble que l’industrie cinématographique ait été envisagée dans une conception purement commerciale depuis ses débuts. Car si les films sont considérés comme des biens culturels, c’est néanmoins une logique économique qui prévaut. Ainsi, dès 1915 la Cour suprême déclarait que « la diffusion des films est purement et simplement du commerce, mue par et développée pour le profit. »^[22] De fait, il est difficile de parler du cinéma américain sans penser à la conclusion d'André Malraux, dans Esquisse d'une psychologie du cinéma : « Par ailleurs, le cinéma est une industrie ».

Les « majors » américaines, unifiées sous le front de la MPA, tentent donc d'imposer le libre-échange en matière culturelle, et se battent contre la notion de « diversité culturelle », argument souvent utilisé par d'autres États (et notamment la France) pour imposer des barrières protectionnistes aux films américains.

Les blockbusters

Ainsi, à Hollywood, ce sont les « blockbusters », films spectaculaires incluant le plus souvent une débauche d’effets spéciaux et d’acteurs célèbres, qui sont devenus la norme. Ceci ne veut pas dire que les grands studios ne produisent plus aujourd’hui que des films de ce genre, mais que les films les plus rentables appartiennent quasiment tous à cette catégorie, et notamment parce qu’ils plaisent aux publics du monde entier. L’exemple de l’année 2004 au cinéma est particulièrement révélateur, la grande majorité des vingt films ayant engrangé le plus de recettes au box-office américain étant des productions spectaculaires (notamment Spider-Man 2, Le Jour d'après, ou encore I, Robot). Seuls La Passion du Christ et Fahrenheit 9/11 étaient dotés de budgets limités, mais leur succès s’explique en grande partie par la controverse, voire le scandale, suscités au moment de leur sortie.

La tendance générale depuis de nombreuses années ancre donc l’industrie cinématographique américaine dans une surenchère de moyens et de technologie, qui rend d'autant plus difficile la compétition pour les producteurs indépendants américains ou étrangers, qui ne disposent en général pas de moyens aussi considérables que ceux des majors de Hollywood.

L'opposition cinéma français/cinéma hollywoodien

On définit souvent le cinéma réalisé aux États-Unis par opposition au cinéma français : le premier serait un cinéma de divertissement, destiné à un public non cinéphile et le second, un cinéma d'auteur ayant des buts plus artistiques que commerciaux. La réalité est en fait plus complexe : le cinéma américain possède une histoire presque aussi longue, et toute aussi variée, que celle du cinéma français, au cours de laquelle de nombreux réalisateurs, acteurs mais aussi producteurs ont donné au cinéma nord-américain ses lettres de noblesse et permettent sans aucun doute de le qualifier de mouvement artistique. Dans ce domaine, un des apports majeurs du cinéma américain est la mise au point de codes esthétiques aboutissant à la création de genres bien définis : film noir, thriller, western, comédie burlesque ou musicale, film d'horreur, péplum, etc... Dans tous ces genres, le cinéma américain a produit des chefs-d'œuvre qui sont des références et des modèles pour le reste du monde. De par son attractivité, il a su puiser dans le vivier européen pour s'enrichir et nombre d'acteurs et de réalisateurs du vieux continent ont eu une période américaine. De plus, son hégémonie ne l'a pas empêché de rester perméable aux influences étrangères (néoréalisme italien, nouvelle vague française, cinéma hongkongais...). La nouvelle vague et François Truffaut en particulier^[23] ont d'ailleurs reconnu leur dette à l'égard du cinéma américain. Enfin, si le cinéma français s'exporte mal aux États-Unis, les comédies à succès d'Yves Robert ou Francis Veber ont été l'objet, à partir des années 80, de nombreux remakes. Par ailleurs, il existe aux États-Unis même une opposition de même ordre entre le cinéma hollywoodien et le cinéma new-yorkais, ville où le New York Film Critics Circle Awards constitue l'antichambre des Oscars.

En France, un festival prestigieux est entièrement consacré au cinéma américain, à Deauville (Calvados), depuis 1975. Aux États-Unis, il existe plusieurs festivals du film français comme celui de Sacramento.

Notes et références

1. ↑ ^{a, b, c, d, e, f, g et h} Dehée 2010, p. 71
2. ↑ ^{a, b, c, d, e et f} Christian-Marc Bosséno, Jacques Gerstenkorn, Hollywood : L'usine à rêves, Gallimard, 22 avril 1992, 176 p. (ISBN 2070531538) 
3. ↑ ^{a, b, c, d et e} L'Encyclopédie du XXe siècle, Les années trente, p. 136, France-Loisirs, 1993.
4. ↑ ^{a, b et c} Dehée 2010, p. 73
5. ↑ Robert S. McElvaine, The Great Depression: America, 1929-1941, New York, Times Books, 1984, p.238-239
6. ↑ André Kaspi, Franklin Roosevelt, Paris, Fayard, 1988, (ISBN 2-2130-2203-8), p.343
7. ↑ André Kaspi, Franklin Roosevelt, Paris, Fayard, 1988, (ISBN 2-2130-2203-8), p.346
8. ↑ ^{a et b} Encyclopédie du XXe siècle, les années trente, p. 144-145.
9. ↑ L'Encyclopédie du XXe siècle, Les années cinquante, p. 146, France Loisirs, 1993 (ISBN 2-7242-6401-0).
10. ↑ ^{a, b, c, d, e, f et g} Dehée 2010, p. 74
11. ↑ Un dénouement heureux en français
12. ↑ Stephen E. SIWEK, Copyright Industries in the U.S. Economy, The 2002 Report, International Intellectual Property Alliance, 2002, p. 17.
13. ↑ Mark Wheeler, « Trade Follows Film : Hollywood and US Trade Policy », Political Studies Association (PSA) Conference, University of Leeds, 5-7 avr. 2005, p.2.
14. ↑ MPA, U.S. Entertainment Industry. 2004 MPA Market Statistics, Motion Picture Association – Worldwide Research, 2004, Site de Motion Picture Association of America .
15. ↑ National Association of Theatre Owners, Encyclopedia of Exhibition, 2001–2002. Cité dans Allen J. Scott, « Hollywood and the World : The Geography of Motion-Picture Distribution and Marketing », Review of International Political Economy, 11 (1), fév. 2004, p. 43.
16. ↑ Toby Miller et al., Global Hollywood, Londres, British Film Institute, 2001, p. 24.
17. ↑ Allen J. Scott, « Hollywood and the World : The Geography of Motion-Picture Distribution and Marketing », Review of International Political Economy, 11 (1), fév. 2004, p. 53.
18. ↑ Encyclopedia of American Industries, « America and the World », SIC 7822 Motion Picture and Videotape Distribution. Allen J. Scott, op. cit., p. 37.
19. ↑ Voir Toby Miller (et al.), Global Hollywood, Londres, British Film Institute, 2001, p. 7; Voir également Kerry A. Chase, « Globalization versus Localization : Cultural Protection and Trade Conflict in the World Entertainment Industry », Meeting of the International Studies Association, Los Angeles, 2000.
20. ↑ « Malgré le succès des pays de l’Est et de certaines contrées asiatiques, le centre mondial du porno reste la vallée de San Fernando, en Californie. Là-bas, se tournent un bon millier de films... chaque mois. » — La fin du porno sur DVD? - L'Hebdo, 16 octobre 2008
21. ↑ CNC Info, n^o 283, 2002, Paris : Centre national de la cinématographie. Cité dans Allen J. Scott, « Hollywood and the World : The Geography of Motion-Picture Distribution and Marketing », Review of International Political Economy, 11 (1), février 2004, p. 55.
22. ↑ Thomas H. Guback, « Hollywood’s International Market », in: Balio Tino (Ed.), The American Film Industry, Madison, The University of Wisconsin Press, 1976, p. 463.
23. ↑ Dans son livre consacré à Hitchcock

Bibliographie

• (fr) Jean-Baptiste THORET, Le Cinéma américain des années 1970 (Cahiers du Cinéma, 2006)
• (fr) Yannick Dehée, « Hollywood : les dessous de l'usine à rêves », dans L'Histoire, n^o 353, mai 2010, p. 70-75 (ISSN 0182-2411) 
• (fr) C.-M. Bosséno, Hollywood, l'usine à rêves, Gallimard, 1992
• (en) Ronald Brownstein, The Power and the Glitter. The Hollywood – Washington Connection, 2^e édition, New York, Vintage Books, 1992.
• (fr) Brigitte Gauthier, Histoire du cinéma américain, Paris, Hachette - Collection Les Fondamentaux, 1995.
• (en) Toby Miller (et al.), Global Hollywood, Londres, British Film Institute, 2001.
• (fr) Bernard Lonjon, Émile Reynaud : Le véritable inventeur du cinéma, éditions du Roure, 2007, (ISBN 978-2-9062-7865-3)
• (en) Allen J. Scott, On Hollywood: The Place, the Industry, Princeton University Press, 2005.

Annexes

Articles connexes

• Exils : de Hitler à Hollywood

Lien externe

• (fr) Évolution des minorités dans le cinéma américain